Xul Solar en Miércoles de Artistas

Xul Solar (1887-1963) fue un pintor argentino, de madre italiana y padre alemán, que estudió arquitectura en la Facultad de Ingeniería. Al cumplir los veinticinco años viajó a Hong Kong y recorrió algunos países europeos como Inglaterra, Francia e Italia. En Milán conoció a su compatriota, el modernista Emilio Pettoruti, a quien le mostró sus dibujos que realizó desde 1914. Luego se dirigió a Berlín donde ya se intuía su contacto con el dadaísmo.

Interesado por la filosofía, las ciencias ocultas y las creencias de las distintas culturas, ya en 1919 sus obras reflejaban esta inquietud espiritual, con la aplicación de colores vivos, formas y símbolos geométricos, figuras sencillas y, a menudo, palabras. Precisamente los signos lingüísticos llamaban poderosamente la atención a este misteriosos personaje. Llegó a dominar diez idiomas e incluso a crear alguno. Al igual que Gras, Xul hizo uso, en sus creaciones, de letras y signos gráficos, e incluso se le atribuye la creación de un lenguaje pictórico denominado "criollismo".

Pronto sintonizó con un grupo de jóvenes pintores y escritores modernistas, entre los que se encontraban Jorge Luis Borges y Emilio Pettoruti (con el que ya había entablado amistad). El grupo, bautizado con el nombre de "Martín Sierra", inició una línea de oposición al temple conservador de la cultura argentina, cuna de Xul Solar y lugar al que el pintor regresó en 1924, tras numerosos viajes y estancias en Alemania e Italia.

Personaje excéntrico y curioso, Xul Solar poseyó una gran cultura, que exhibía con sencillez y gracia poco común. Asimiló las convenciones estilísticas de la vanguardia europea, pero con un estilo personalísimo que resaltaba por su originalidad y mezcla de estilos. En la década de 1930 a 1940, Xul creó paisajes y diseños arquitectónicos fantásticos que dan fe de sus estudios sobre misticismo, teosofía y astrología.

Expuso individualmente en la Asociación de Amigos del Arte. En el año de su fallecimiento (1963), se organizó una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Xul Solar from Simón Zielli

Podemos encontrar varias de sus obras en el Museo Xul Solar, ubicado en Laprida 1212, CABA, Argentina.

"Pérez Celis, testimonio americano" en el Museo Nacional de Bellas Artes

"Pérez Celis, testimonio americano" es una exposición que se inaugurará el 6 de octubre en el MNBA y su objetivo es rastrear la impronta americana que este artista imprimió en su poética; por esta razón, aunque presenta mas de setenta obras de diferentes períodos, no se trata de una exhibición retrospectiva.
Pérez Celis fue un viajero incansable y se estableció en diferentes países: en 1959 vivió en Montevideo, en 1963 se instaló casi dos años en Lima -desde allí llegó al Cuzco y Machu Pichu- y después fue un asiduo visitante de los campos de Quemú Quemú, en la provincia argentina de La Pampa. Sin perder su asiento en Buenos Aires, más tarde, vivió en Caracas, París, Nueva York y, finalmente en Miami. Con un particular acento americano, su sensibilidad interpretó cada uno de estos escenarios, y de todos supo llevarse algún signo emblemático.
El guión curatorial está organizado en seis núcleos que muestran las transformaciones desde su temprano período vasarelyano al acercamiento a las raíces americanas, sea a través de su simbología, la particular expresión del horizonte pampeano y las tradiciones que lo habitaron, el contacto con la luz caribeña y su mestizaje cultural, la recuperación de la función expresiva del oro y la plata entre los incas, mayas y aztecas o el gesto libre, con el que interpretó su tiempo y puso en obra la espiritualidad de los pueblos americanos.

En consecuencia, Pérez Celis, testimonio americano es una muestra que pone en foco la fuerza que adquirió ese particular vínculo identitario expresado a través del gesto, la materia y el color. El guión curatorial prioriza su trabajo sobre el vocabulario plástico, así como sobre su vocación por instalar la producción artística en la vida cotidiana mediante la importancia que le otorgó al arte público y a la obra múltiple (tapices, grabados, ilustraciones de libros, diseños, etc.).

 

HORARIOS:
Martes a viernes de 12.30 a 20.30
Sábados y domingos de 9.30 a 20.30

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Entrega de diplomas en el Salón Nacional de Artes Visuales en Palais de Glace

El viernes 25 de septiembre a las 19hs se llevará a cabo la entrega de diplomas a los artistas de las disciplinas dibujo, escultura y pintura en la 104° edición del Salón Nacional de Artes Visuales en Palais de Glace.

Los premiados en las distintas categorías serán: Diana Dowek con su obra "Bajo la alumbrera" (pintura), Luis Marzoratti con "Bang!"(dibujo) y Alfredo Williams con "Movimiento en gris" (escultura).

                                                            Bang! de Luis Marzoratti.

Bajo la alumbrera de Diana Dowek.

Movimiento en gris de Alfredo Williams.

Alfredo Guttero en Miercoles de Artistas

Alfredo Guttero (1882-1932), hijo de padres genoveses, manifestó de niño su gusto por la pintura y la música. Recibió algunas lecciones de dibujo, y realizó estampas y tarjetas postales por su destreza natural. En 1904 se presentó a un concurso y, con la ayuda de Malharro (artista de renombre que era jurado), ganó una beca. Allí se embarcó a Europa donde vivió 23 años.

Fue un artista muy activo en Europa, presentó muestras en galerías italianas y alemanas. Tuvo su taller en Italia y mantuvo siempre contactos con nuestro país. Cuando regresó a Argentina en 1927 tenía intención de quedarse poco tiempo, sin embargo se instaló definitivamente y se relacionó con el grupo de artistas llamados de vanguardia.

Su particularidad fue la técnica, que nunca quiso revelar, utilizando yeso cocido y aceite de lino que da una textura especial y singular a sus trabajos. Esta técnica la inventó en 1927.

Fue un gran admirador del arte clásico, hecho que se refleja en sus obras. Simultáneamente hace acuarelas, temperas, carbonillas, tintas y lápices. Realizó escenografías para el Teatro Colón, y su producción incluyó variedad de temas. En Buenos Aires se reunió con muchos artistas convencido de las iniciativas conjuntas para producir cambios en el escenario local como Raquel Forner, Spilimbrego, Bigatti, Xul Solar, Victorica, Norah Borges, Horacio Coppola con los cuales compartió la idea de la renovación de la pintura en el sur de América Latina.

Alfredo Guttero (1882 1932) from Simón Zielli

¿Que paso con la punta del Obelisco?

A los 14 años de la inauguración del MALBA, la obra emplazada en la entrada es de Leandro Erlich. La obra consta de dos partes: por un lado, en el emplazamiento del Obelisco, el artista interviene directamente el monumento, haciendo desaparecer su ápice, que reaparece en la explanada del MALBA con una reproducción a escala real. De esta manera, el público podrá ingresar a la cúspide, con entrada libre y gratuita, y disfrutar de las cuatro vistas aéreas del monumento central en el imaginario argentino.


Muy interesante y concurrida experiencia.


El Obelisco fue construido en 1936 por el arquitecto modernista Alberto Prebisch. Desde entonces es punto de reunión, celebraciones y manifestaciones populares. Ha sido también inspiración de innumerables proyectos artísticos de fotógrafos pioneros como Grete Stern y Horacio Coppola –quien registró su construcción en un film–, Marta Minujín y Leandro Katz, entre muchos otros.

La Menesunda según Marta Minujín en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, tiene el agrado de anunciar la inauguración de La Menesunda según Marta Minujín el próximo 8 de octubre a las 18hs. en Avenida San Juan 350.

Cincuenta años después de la histórica ambientación que Marta Minujín realizó junto a Rubén Santantonín en mayo de 1965 en el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella, el Moderno se convierte en escenario y testigo de una reconstrucción fiel que se desplegará dentro de un espacio de 400 metros cuadrados en el primer piso del Museo.

La Menesunda según Marta Minujín recupera en la actualidad el conjunto de relaciones materiales, sensoriales y simbólicas que hicieron posible su existencia en 1965. Fue una experiencia de ruptura respecto a los lenguajes visuales de la década. Durante medio siglo se fue cargando de múltiples significaciones y relecturas, hasta transformarse en una obra central del imaginario cultural argentino. Hoy, el Moderno propone una experiencia que apunta a repensar la carga legendaria depositada en la obra original. De esta manera, la reconstrucción realizada en 2015 invita a hacer nuevas lecturas del pasado, pero también despierta reflexiones y sensaciones en un contexto contemporáneo.

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A TENER EN CUENTA: Capacidad limitada, ingreso por orden de llegada. Niños y menores de 16 años deberán ingresar acompañados por un adulto (hasta un niño por adulto). La sala no cuenta con acceso para personas con movilidad reducida y se solicita el acceso con calzado sin tacos.

Emilio Pettoruti en Miércoles de Artistas

Emilio Pettoruti fue un pintor argentino nacido en la ciudad de La Plata en 1892. Desde pequeño fue alentado por su abuelo en el mundo del arte, en dibujo y en pintura. Estudió Bellas Artes en su ciudad natal, con maestros como Atilio Boveri y Emilio Courtaret, con quien aprendió la perspectiva. En 1911 participó en una exposición de caricaturas.

En 1913 fue becado para estudiar en Europa, donde se instaló en Florencia y a pesar de su intención de copiar el arte clásico su destino fue completamente diferente. Conoció el movimiento futurista y a sus exponentes, movimiento que transformó su vida y su obra, participando en 1914 en una exposición futurista a la que aportó cuatro obras en las cuales mostraba los conceptos de los futuristas en forma abstracta.

Su pasión por el futurismo finalizó cuando conoció el Cubismo. Creía que la pintura debía ser "construcción y color", y el Cubismo cumplía con esos requisitos. permitiendole pintar objetos como sifones, instrumentos musicales, soles, botellas, fruteras, etc.

En 1916 conoce a Xul Solar con el cual años mas tarde serian los pioneros en la vanguardia argentina. En 1930 retorna al país junto a Xul Solar, y se le ofrece el cargo de director del Museo de Bellas Artes de la Plata, el cual profesionalizó, aumentando su patrimonio pictórico. 

En su regreso al país, realizó series de pinturas como soles, arlequines y copas, siendo de características menos abstractas, mas claras y geométricas.

Por problemas con el peronismo renunció al cargo en el Museo de Bellas Artes de La Plata, y en 1952 se instaló nuevamente en Europa realizando exposiciones, volviendo a temas abstractos como noches de verano, crepúsculos y soles ovalados.

Emilio Pettoruti muere en 1971 en París victima de una infección hepato-renal, sin poder regresar a su patria como tenia planeado.

Emilio Pettoruti from Simón Zielli

"Es posible porque es posible" de Raqs Media Collective en PROA

El museo PROA presentara del 26 de septiembre al 1 de noviembre "Es posible porque es posible", del colectivo Raqs Media Collective, formado por los artistas Jeebesh Bagchi, Monica Narula y Shuddhabrata Sengupta.
Raqs ha centrado su trabajo en los últimos años hacia una perspectiva multidisciplinaria, combinando elementos de investigación, instalación y producción multimedia. Sus proyectos exploran múltiples conceptos como la globalización.

La exhibición Es posible porque es posible es fruto de la colaboración entre el Museo de Arte Contemporáneo de México (Muac), el Centro de Arte Dos de Mayo de Madrid (CA2M) y Fundación Proa. Instituciones que comparten el esfuerzo y el entusiasmo de visibilizar la situación del arte y el pensamiento Contemporáneo.

La muestra ha sido curada por Ferran Barenblit y Cuauhtémoc Medina quienes han seleccionado un conjunto representativo de obras que responden a la necesidad del colectivo Raqs Media Collective de proponer preguntas que amplían las posibilidades de la práctica artística, la crítica y la creación. ¿Cómo experimentamos la sensación del tiempo en un mundo productivo? ¿Cómo distribuimos nuestra vida en relación a este tiempo? ¿Cómo imaginamos el futuro? ¿Cómo es administrada nuestra vida y hasta que punto podemos alterar las lógicas cotidianas y políticas en que esta se nos presenta? Es posible porque es posible emergencia que Raqs denomina “contemplación política”, preguntándose siempre a qué esferas personal y social pertenece lo contemporáneo y cómo actuar sobre Raqs muestra que la práctica artística esta en permanente evolución y el cambio es una constante. Este pensamiento hace del trabajo del colectivo una poética imprecisa y fresca, adaptándose a los diferentes medios según los requerimientos - tigación y la teoría -a menudo en forma de instalaciones, objetos, performance, y multimedia- impidiendo siempre que la critica se confunda con la impotencia, analizando el pasado como si este no fuera una historia cerrada y clausurada, pensando el presente e imaginando el futuro a través de un impulso que desafía las ló- gicas triunfantes y que nos dice que lo pensable (y por lo tanto posible) es factible.

Es posible porque es posible es una oportunidad única para apreciar algunos artístico contemporáneos, archivo y diversas actividades paralelas consolidan la propuesta de Fundación Proa.

HORARIO

Martes a domingo: 11:00 a 19:00.

Lunes cerrado.

Roberto Matta en el Miércoles de Artistas.

Roberto Matta (1911-2002) nació en Chile, fue un arquitecto de formación universitaria en su país natal. Rompió con su familia y se fue a vivir a Europa. Trabajó con el arquitecto racionalista Le Corbusier en París durante dos años. Frecuentó círculos intelectuales que lo llevaron a vincularse con su compatriota Gabriela Mistral, con García Lorca, con Pablo Neruda y de a poco empezó a ver la vida de otra manera. Dejó la arquitectura y tomó los pinceles. Se inscribió en lo que se llama "surrealismo biomórfico" que consiste en representar formas orgánicas y semiorgánicas, derivadas de la naturaleza, nubes, aguas, volcanes, piedras, plantas, organismos microscópicos y su método de trabajo surrealista "automatismo". Desarrolló series como "Paisajes interiores" o "Morfologías psicológicas".

Para Matta la realidad solo puede representarse en un estado de transformación perpetua, incesante. La pintura era para él una forma de ampliar su conciencia "La vida me la ganaba con vida, no con dinero" decía. Era de personalidad magnética, un poco místico, interesado en religiones ancestrales, en el cosmos, tarot, química, física, culturas precolombinas, matemáticas. Para Matta, la vida debía ser celebrada, era un gran entusiasta.

Durante 40 años no ha cesado de pintar, pensar, amar, combatir, irritar, conmover, discutir iluminar. 

Humano, demasiado humano.

Roberto Matta PPT from Simón Zielli

Imágenes de las obras de Roberto Matta.

En esta entrevista Matta habla de su fortuito encuentro con Pablo Picasso.

Emiliano Céliz en el Museo Nacional de Arte Decorativo

El 10 de septiembre se dará comienzo a la exhibición de grandes objetos de plata de diseño contemporáneo realizados por Emiliano Céliz, "Esencia del Paisaje". Se trata de piezas de platería civil, objetos de la vida cotidiana, realizado con la técnica de "raisinghammer" a partir de un solo bloque de plata, que da a cada objeto un carácter único, original e irrepetible.

Emiliano Céliz se define como un "platero", es un artista especializado en trabajar la plata en su estado mas puro para concebir objetos mas exquisitos. Desarrolló una técnica de manera profesional conocida como "raisinghammer", que es la concepción de una pieza de metal a partir de un lingote, trabajándolos con martillos, cinceles y otra herramientas.

Para realizar sus obras, Céliz utiliza mas de 50 martillos y varias bigornias especiales, una buena cantidad de "fierros" y yunques de usos muy específicos. La mayoría de las herramientas las fabrica en su mismo taller.

En “Esencia del Paisaje”, el artista introduce en cada pieza el entorno donde vive. Sobre un soporte de plata delicadamente trabajado, el paisaje es protagonista. Como cada objeto se realiza a partir de un solo lingote de plata, nada distrae al espectador, que admira la pericia -el arte- del artista en cada una de sus creaciones. 

HORARIOS 

Martes a domingos de 14 a 19 hs.

ENTRADA

Entrada $ 20.- Jubilados y menores de 12 años gratis.

Martes entrada libre